《中间地带》Between Worlds 冬季群展隆重开幕

《中间地带》展览现场

本次展览由澳大利亚著名艺术家关伟博士策展，汇集了三位艺术家的精彩创作。Pin Hsun Hsiang 与张华洁游走于中澳文化的交汇处，在传承中国深厚艺术传统的同时，其创作也经历了澳大利亚文化影响下的转化与重塑。而澳大利亚艺术家 Paul McCarthy 则以其克制且引人深思的风格见长，巧妙地捕捉着前卫实验与日常世俗节奏之间的微妙平衡。

立足于不同文化与艺术实践的“中间地带”，三位艺术家透过各自独到的视角，构建出多元的创作语境。

澳大利亚知名艺术家、策展人关伟博士开幕致辞

策展人关伟博士在开幕致辞中，以“中间地带”这一流动而非固定的空间概念，串联起 Pin Hsun Hsiang、 Paul McCarthy 与张华洁三位艺术家看似迥异、实则彼此呼应的创作脉络。他指出，三位艺术家分属不同世代与文化背景，却不约而同地选择在边界与交汇处安放自己的创作——那既是原乡与居所之间，也是传统与当代之间，更是不同审美体系相互浸润、彼此滋养的地带。

Pin Hsun Hsiang 与张华洁两位华裔移民艺术家的双重文化经验，是关伟发言中着重展开的部分。数十年往返于中华艺术的精神底色与澳大利亚的本土语境之间，两种文化在他们身上并非简单叠加，而是持续对话、生发出层次丰富的独特表达；本土艺术家 Paul McCarthy 则以另一种方式印证了这份“居间”的活力——扎根新南威尔士的土地与日常，在自然风物与城市肌理之间，走出一条属于自己的沉静路径。

关伟也分别对三位艺术家的创作特质做了勾勒：

Pin Hsun Hsiang 以木与金属为媒介，从材质天然的肌理中体察生命的幽微气息，让坚硬的形体也能吐露温情；

张华洁将多年影像创作积累的视觉思维，转化为水墨与陶瓷中的空间架构，在虚实相生之间引人产生“人在其中”的共情想象；

而 Paul McCarthy 则以四十余载的户外写生功力，捕捉光线穿透林木的瞬息变幻，在林木枯荣、烈火重生的循环中，书写自然的韧性与温情。

艺术家 Pin Hsun Hsiang

随后三位艺术家分别分享了各自的创作历程：

Pin Hsun Hsiang将木雕视为一场唤醒生命的旅程。他相信，木头是有生命的，只是暂时沉睡。有些木头或许已静眠多年，而他用电锯、凿子与斧头将它们唤醒，赋予它们男人、女人或动物的形态。作品中格外令人动容的，是那只灭绝已久的塔斯马尼亚虎——他用双手让它重返世间。他说，每一块木头都有着各自不同的性格与脾气，而它们，都是他最珍爱的孩子。

艺术家 Paul McCarthy

Paul McCarthy 的创作灵感源于澳大利亚灌木丛在山火后的涅槃与重生。澳大利亚的植被与火之间有着深刻的共生关系——有些植物需要高温才能激活种子，有些则依赖烟雾方可萌发。他的系列作品试图捕捉丛林从灰烬中重生的整个过程，记录着生命最原始的韧性与重生。

艺术家 张华洁

张华洁的发言简短却意味深长。在他看来，艺术如同生活——混乱，却从不无聊。他道，现场之所以特别，是因为观者的到来。一件作品只有在被凝视的那一刻才真正完成，因此，是每一位到场的观者，共同为他的创作画上了句点。

开幕现场分享

Rochfort Gallery 衷心感谢所有前来参与开幕的嘉宾、藏家与朋友，感谢关伟老师的倾力支持，亦感谢每一位关注《中间地带》Between Worlds 的观者。

《中间地带》Between Worlds 展期持续至 2026年8月28日。诚邀您步入画廊，共赏这场视觉盛宴。

ARTIST 

对于雕塑家项秉勋而言，世界就是他的课堂，人生与雕塑的旅行常常交错在一起。彼时他在上海，进工厂受僧侣出身师傅的影响，业余雕刻了不少佛像。后经恩师严友人指点，走上创作之路。

1988年他从上海移居悉尼。在悉尼从事修复欧洲古董工作的十五年间，他耳濡目染，对西方艺术产生了一种原始的感觉和直观的印象。他的作品饱含对生活的共情，一件樟木雕塑定格了妻子在缝纫机台旁打盹的疲惫身影，被纽省参院议长 Max Willis 看中并收藏，在议会大厦其办公室的走廊静静陈列了十年。

二十多年里，他跟着雕塑去旅行，雕塑也跟着旅行走。七次进入非洲，木雕艺术的原始、稚气、钝气和野气令他兴奋不已，促使他开始用斧子劈木雕，确立了“保留原生状态”的创作工艺宗旨。

在他的世界里，东西方艺术从不孤立。他的木雕作品《京剧》，正是用非洲木雕大刀阔斧的粗犷风格，去雕琢中华民族的文化精髓。无论人生与雕塑，他总觉得自己总是在旅行的途中。

ARTIST

对于澳大利亚艺术家 Paul McCarthy 而言，最好的画室永远是脚下的步道与无垠的旷野。他的艺术，是一场关于徒步、写生与自然色彩的深情对话。

彼时在悉尼，他并未将自己困于象牙塔中，而是选择背起画囊走向户外。从微风沉醉的海岸到苍凉粗粝的内陆，徒步成为了他感知世界的本能。在三十年的跋涉里，他将野兽派的狂热与印象派的细腻揉碎在脚下的泥土中，在脚步的丈量下，确立了以“大地与自然”为根基的创作语境。

他的画作饱含着对生命在场的共情。他常以徒步时拍下的照片为起点，用独特的粉彩技法与大刀阔斧的笔触去重塑风景。在他的画布上，没有高深莫测的技法说教，只有充满张力的树木与粗野的土地。那浓烈交织的色彩与光影，仿佛定格了他在荒野现场写生时，伴随着风声的每一次呼吸。

艺术足迹遍布全球，甚至早在2001年便在纽约SoHo区举办过重要展览，这也因此让他更在意艺术的温度。走出荒野，他化身社区的连结者，与偏远原住民共创，用画笔治愈悉尼儿童医院的病患与残障人士；在课堂上，他又是一位幽默的播种人，带领普通大众在欢笑中轻松拥抱艺术。

在他的世界里，自然探索与人文关怀从不孤立。无论是在旷野深处记录一棵树的倒影，还是在人群中传递色彩的光芒，他总觉得创作如同人生，是一场永无止境的徒步修行。

ARTIST

对于艺术家张华洁而言，画布不仅在画室，更在胶片、舞台与广袤荒野中。他的艺术旅程是一场跨越边界的当代修行。从北京电影学院出发，经张艺谋《英雄》大场面摄影师的淬炼，他深谙宏大叙事中的视觉张力。此后他在海外深造，彻底将电影、戏剧与绘画融会贯通。

他的作品饱含对生命在场的共情。他曾在街头为陌生人画像，以999幅肖像叩问“你是谁”；在乌镇戏剧节，他又化身行动者，以行为演绎绘画，完成百米长卷《墨上行动》震撼全场。

旅居澳洲的岁月赋予他跨文化的全新养分。他深入荒野，复活了原住民的矿物颜料体系。蓝山大火的炭灰、红土与贝壳，在他手中经历“山海炼金”般的视觉重组。他执导的独立电影更斩获休斯敦国际电影节雷米金奖，镜头语言与画布上粗粝的材料纹理互为表里。

在他的世界里，媒介从不孤立。他提出的“视觉场”理论，正是在跨界实践中雕琢艺术家、材料与观众共生的闭环。无论是执导电影还是躬耕绘画，他始终觉得创作如同呼吸，消融在生活的在场之中。

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